갤러리벨비

보이지 않는 것의 존재를 어떻게 믿을 수 있을까? 또 만져지지 않는 존재의 실재는 어떻게 증명할 수 있을까? 갤러리벨비는 2026년 첫 전시로 공모 선정 작가 4인의 작품을 통해 이 질문에 대한 각자의 해답을 제시한다. 전시 <존재의 형태>는 청년 작가 강해찬, 김윤, 이유빈, 홍수정의 손끝을 빌려 서로 다른 무형의 존재들이 예술적으로 실체화되는 과정을 보여준다.

강해찬 작가는 분위기를 그린다. 공기의 결과 온도, 습도, 그리고 고요 속의 기억과 감정이 어우러지며 순간마다 변화하는 분위기 속에서, 비어 있는 것은 아무것도 없다고 작가는 말한다. 그는 자신을 둘러싼 세계에서 미끄러져 나와 마치 유체이탈하듯 제3자의 시선으로 바라본 풍경을 다양한 색채로 화폭에 옮긴다. 풍경에서의 감각에 집중하는 일은 반복되는 현실 속에서의 일시적인 일탈이며, 빛과 습기가 만들어낸 환영 같은 은신처로 확장된다.

김윤 작가는 질문과 저항을 겹겹이 이어 붙인다. 비닐봉지를 뜯고 녹이고 붙이는 일련의 과정은 저급한 일회용품을 하나의 예술 작품으로 재탄생시킨다. 이는 본래의 속성을 유지한 비닐봉지를 더 이상 비닐봉지로 인식하지 못하게 만드는 ‘인식의 오류’를 인위적으로 발생시키는 과정이기도 하다. 이를 통해 작가는 묻는다. 우리의 인식 속에서 굳어져 있는 것은 무엇인지. 고착화된 이미지에 의문을 던지고 저항하는 일, 그것이 작가가 진정으로 만들어내는 것이다.

이유빈 작가는 내적 사유를 빚는다. ‘나 자신에게 얼마나 진실할 수 있는가’라는 질문에서 출발한 작업은 반복되는 행위 속에서 의미를 찾는 수행적 형식으로 구현된다. 물, 불, 공기와 맞닿은 흙의 물성으로 빚어내는 작은 테라코타를 캔버스 위에 나열하는 일련의 과정은 결과를 증명하는 방식이 아니라, 과정 그 자체의 의미를 스스로 발화하는 방식이다. 수행적 반복은 더 이상 반복적이지 않은 화면을 만들어내며, 감정과 시간, 행위와 존재는 시각적 형체로 남아 감상자에게 닿는다.

홍수정 작가는 에너지를 그려낸다. 직접 보이지 않지만 문득 현실 속에서 설명할 수 없이 느껴지는 파동, 분명히 존재하는 그 진동을 작가는 ‘에너지’라 부르고, 이를 회화의 언어로 기록한다. 자연이 만들어내는 미세한 움직임은 화면의 씨앗이 되고, 그 위에 선이 반복되어 서로 얽히고 확장되며 만들어내는 ‘에 너지 덩어리’는 마침내 살아 움직인다. 각자가 자신만의 리듬과 감각으로 작품을 바라보고 그 안에서 고유한 잔향과 파동을 발견하는 것, 그것이 그의 작업 이 가진 가장 중요한 역할이라 믿는다.

작품 앞에서 감상자는 눈을 감고 느끼는 것이 아니라 두 눈을 크게 뜨고, 시각적으로 살아난 형상들을 받아들인다. 그리고 네 명의 작가가 작업의 중심에 놓 아둔 대상 외에도, 전설처럼 전해지지만 형체가 없는 그 이상의 것들 역시 더듬어보고 감각하기를 바란다. 이를테면 나아가고자 하는 방향이나, 누군가를 향한 단단한 사랑 같은 것들을

— 글 갤러리벨비 윤성지

How can we believe in the existence of what cannot be seen? And how can we prove the reality of what cannot be touched? As its first exhibition of 2026, Gallery Belle Vie presents the works of four artists selected through an open call, each offering their own answer to these questions. The Shape of Existence reveals how different intangible presences are given artistic substance through the hands of four emerging artists—Kang Haechan, Kim Yoon, Lee Yubin, and Hong Sujeong.

Kang Haechan paints atmosphere. Where air currents, temperature, humidity, and the memories and emotions held within stillness converge, the artist suggests that nothing is ever truly empty. He translates onto canvas a landscape observed as if from a third-person viewpoint—slipping out of the world around him in a near out-of-body state—rendered in varied hues. To focus on sensation within a landscape becomes a brief departure from the repetitions of reality, extending into an illusory refuge shaped by light and moisture.

Kim Yoon layers questions and resistance. The successive acts of tearing, melting, and adhering plastic bags re-create a cheap disposable object as a work of art. It is also a process that deliberately triggers a “perceptual error,” making us unable to recognize the plastic bag as a plastic bag even as its original properties remain. Through this, the artist asks: what, within our perception, has hardened into certainty? Casting doubt on fixed images and resisting them—this is what the artist truly produces.

Lee Yubin shapes inner contemplation. Beginning from the question, “How truthful can I be to myself?” her work takes form as a performative practice that searches for meaning through repetition. The process of placing small terracotta pieces—formed from the materiality of clay meeting water, fire, and air—across the surface of a canvas does not aim to prove an outcome; rather, it allows the process itself to speak its meaning. Performative repetition yields a surface that is no longer repetitive; emotion and time, action and existence remain as visible forms that reach the viewer.

Hong Sujeong paints energy. The artist calls “energy” the waves we cannot see, yet suddenly feel in reality without explanation—the vibration that undeniably exists—and records it in the language of painting. Subtle movements created by nature become the seeds of the image; lines then repeat, entangle, and expand, forming “masses of energy” that ultimately appear to live and move. He believes the most important role of his work lies in each viewer observing with their own rhythm and sensibility, discovering within it an individual resonance and wave.

Before the works, the viewer does not close their eyes to feel; instead, they open their eyes wide and receive forms that have come alive visually. And beyond the subjects the four artists place at the center of their practice, this exhibition hopes viewers will also grope toward and sense something more—things that are passed down like legends yet remain without shape. For instance, the direction one longs to move toward, or the steadfast love held for someone.

— Leonie Yoon, Gallery Belle Vie